我们在写心得体会时，可以先列出要点，便于组织思路，想要提升心得体会的写作水平，大家可以多进行写作练习与反思，下面是82秘书网小编为您分享的学钢琴的体会与心得参考6篇，感谢您的参阅。
学钢琴的体会与心得篇1
现在学钢琴的父母真的是越来越多了，看到身边那么多妈妈们都急切又有些盲目的想给孩子学琴，甚至是还没开始学就已经花2—3万买了一架钢琴在家，我觉得真的有必要在这里提醒一下各位妈妈，先想清楚。为什么要给孩子学琴。学琴不是为了跟风或是攀比。每个孩子都是特别的，与众不同的，不要为了别人都学你就去学，出于这种目的的，孩子很难学下去，往往上个少年宫，琴没摸几次，就不学了，千万别以为钱花出去了，孩子就学到东西了，就是当时学到，不坚持练习，也会忘的很快。
所以真要学的，一定要找固定的老师，长期一对一教学，这个效果是其他没法比的。为什么说钢琴是乐器之王，其中一个原因是，钢琴是学习其他乐器的基础，所以如果想玩乐器，但没想好学什么的，学钢琴打基础准没错，之后学其他乐器都能很快上手。另外，更重要的是，学钢琴对消除暴戾怪癖的性格，养成良好的艺术修养，陶冶性情都很有帮助，这个帮助是潜在的，但至关重要。正进入钢琴正规学习后，除了每周上课外，最为关键的是每天都必须反复练习，小点的时候是一天1小时，之后随着难度的`加大，练习时间也需相应提高。
在这里需注意的是，家长（一般就是妈妈们啦）需要陪伴在旁边，一是监督练习情况，二是孩子不至于太过无聊，练烦了还可以适当休息说个话什么的，这个说起来没什么，但是难的是妈妈需要长期坚持。对孩子来说“坚持”这个东西其实一开始是没什么概念的，这个时候就看家长要怎么做了，如果家长能坚持陪伴，那孩子多半也能坚持下来。
当然，陪伴一定阶段，当孩子形成自觉练琴的习惯后，放手让其自己去练就可以了。到那时，有能力跟的上的妈妈也比较少了呵。关于学琴最佳时间，从个人学琴和教琴经验来看，我觉得女孩4岁，男孩5岁最合适，一是那时候孩子手最适合学琴，二是这期间还未上学，孩子比较空闲，可以趁机观察孩子有无这方面兴趣，对音乐是否敏感，当然，如果两者都无，也不是不能学琴，我觉得学琴对良好性格的养成还是有确实帮助的，我有个朋友（男，钢琴十级，现在名牌大学计算机系研究生）当初学琴只是因为他的妈妈觉得他毫无音乐细胞且太过内向，怕日后影响其成长，所以特意让他学的。再说一点，上学之后，很多妈妈觉得孩子学琴会影响学习，其实个人觉得这倒很可能是个误会。
我初中上的是文艺班，顾名思义一个班都是文艺特长生，不知道是否是巧合，但是里面钢琴特长生的成绩都不错，一般特长生会两级分化，特别好或特别差，这点我也不太明白，但是，一般来说，学过艺术的孩子都比同龄人聪明一点。有的家长觉得学琴可能会耽误了学习，但个人觉得其实是把玩的时间变成了练琴，对孩子来说这种休息带来的是学的更有效率。当然，如果家长要及时和孩子交流，如果孩子已经把学琴当成一种负担，或是遇到考试等关键时刻，弹琴还是应该让位于考试的。毕竟如果只是培养孩子气质，帮助性格养成，将钢琴作为一种兴趣爱好的话，放到学习后面就好了。
学钢琴的体会与心得篇2
钢琴弹奏中经常有"p"这样的标注，表示弱的意思。据说现在我们看到的piano这个英文单词，最初就是意大利文的“弱”，也就是说钢琴是一种体现温柔的音乐，把这个“弱”表现好了，钢琴就弹的差不多了。和大多数初学者一样，我只能用轻，用漂，用浮这样的办法去表现弱，要我弱，我就小点劲儿，不弹到底，手指的力量浮在琴键的面儿上，无疑，这样的弱只会是虚弱，软弱，病态的弱。我想，正确的弱的弹奏应该是温柔而又坚定，饱满并且充实。说来容易，要真正做到，还要花心思练啊。
开始为了学琴方便，选择顶楼邻居，是少年宫的老师。
老师琴艺很好，人也很好，教初学的小孩也很有一套。
学了大概8节课，学会好几首曲子，安的兴趣也很浓厚。
但是慢慢发现安手法不稳定，手臂僵硬，抬手腕姿势难看。
经朋友推荐一位已经退休的杨老师不错，联系前往。
杨老师很健谈，说安安的老师是兴趣式教法，且现在大部分老师都是如此。
她说，她这种教法已不多，会让孩子终生受益，即使多年不碰琴了，也不会忘记。
可能杨老师更注重练就扎实的基本功。
于是我信心满满的给安换老师了。
虽然学费翻番，虽然进度缓慢，虽然老师严厉......
我们还是在努力坚持，从练习体会手臂完全放松，到手臂懒懒沉沉的拿到琴盖上，再到吊指、高抬指。
已经学了十一节课，还没开始曲子。但是安的指法越来越熟练，手型也非常漂亮。
不得不提及老师的严厉，我和安爸曾经想过放弃，觉得孩子受委屈。
因为安在杨老师这里经历了最严厉的批评，非常大声的批评。
原来安安是一个大声说话就会哭的孩子，历经几年的幼儿园生活后，基本能正确面对老师的批评说教了。
一次钢琴课，去的有点晚，等了两个姐姐学完才轮到安，这时安已经又累又饿了。
坐到琴凳上后，安的手有点不安分。老师高声说了安一句，安就掉眼泪了。
杨老师就开始噼里啪啦的大声教训了安一顿，哭的没有道理、纸做的之类的话。
说实话，我真的是坐不住也很生气，安从来没见过这样的架势，也没受过这么严厉的批评。安还是哭着上完课。
此后连续两节课，安安心存恐惧，一来老师家就哭。老师又批了安两次，并告诉安以后再哭就不让妈妈陪学了。
再往后，安安有两次在老师门外还是忍不住掉泪，但是擦干眼泪进去后没再哭。
老师夸奖安聪明有灵性，学完后给安小兔子玩具、糖果、手链之类的，讨安开心。
安爸说别让安学了，杨老师脾气太暴躁了，没有耐心。可是我还是坚持，算是丰富孩子的经历吧。
将来到社会上，什么样的人都会遇到，也得让孩子有一定的承受力才行。
其实也可以理解老师，每天教好几个学生，有的学生再练的不好，新课没法继续。是个身心都累的职业。
从那以后，安不再掉泪，虽然内心还是很害怕杨老师，但是上课非常专注，接受新知识也很快。
学琴的问题解决了，还有练琴的问题。
每天都是练完琴再出去玩，有几次尝试玩回来再练，安自己也发现不行，玩回来就又累又困。
于是每天定好吃完饭先看会书或者玩会游戏再开始练琴，一般在七点左右开始，没有很死板的定时间。
开始练习时间严格按老师要求来，发现根本不行。安还小，让她练的久了，就烦躁坐不住。
不停的问还有多长时间，还有几遍。后来就把手机摆在那里，告诉她数字变成几的时候就到点了。
结果安练一遍看一遍手机，或者练两遍看一遍手机，手机快被摁烂了。。
于是我改变策略，孩子练的好又何必要练满时间呢，快到孩子的爆发点了赶紧停。
这样安练的很开心，每天也愿意练。只是可怜了我这当娘的，天天回家陪练。
好多好看的电影啊，着急的个我啊。
学钢琴的体会与心得篇3
万遂
1849年11月14日，在肖邦的葬礼后两周，李斯特（lisztferencz）曾向肖邦的姐姐卢德维卡（ludwika）去信，表示自己想为故友作传，希望可以就一些私人信息咨询传主的至亲。正忙于为肖邦遗产善后的卢德维卡对此颇感不悦，弟弟尸骨未寒，李斯特就急于树立自己对肖邦的权威解释权。剥削和贬损肖邦名声的人几乎同爱护和推广肖邦作品的人一样多，她的丈夫就属于前者之一，所以她无暇顾及，只是直觉告诉她李斯特写不出一本像样的传记。虽然在成年后与弟弟聚少离多，但卢德维卡的判断不但颇有预见性，更完全吻合肖邦对李斯特长久以来的观感。
同为在巴黎活跃的中东欧音乐天才，肖邦从十二岁起就被拿来和李斯特比较，两人在巴黎也一度过从甚密，有过四手联弹的经历。作为同行，肖邦对李斯特的音乐并无太多指摘，可专注于创作本身的肖邦对李斯特虚华俗丽的文风极为厌恶。在李斯特的笔下，肖邦的音乐会更像是一场社交派对而不是音乐聚会。李斯特越是书写肖邦，就越让肖邦感到前者好为人师，两人因而渐行渐远。李斯特那本被辞藻堆砌出来的《肖邦传》成为早期音乐人传记强化空洞符号的代表，一次次地被后来的音乐史研究者吐槽，连以三卷本《李斯特传》在学界获奖的音乐史研究者艾伦·沃克教授都毫不避讳。艾伦·沃克对那个时代的熟悉，写《肖邦传》已经推进到了乐谱中的笔迹字符。这个认识肖邦的过程始于另一位与之齐名的音乐家的拙作，贯穿了音乐研究的学科史，留下了有待明辨的细节。
音乐作为母语
肖邦和李斯特最大的分歧在于对音乐的阐释方法。李斯特正好是在肖邦逝世前后几年结束了钢琴演奏生涯，专攻作曲和指挥。而在他的生涯前半段，年少成名的他喜欢在社交圈抛头露面，用诗化的修辞比赋音乐的感染力。他不是一个人，同时代的门德尔松和舒曼都喜欢给音乐配上画面和看似深沉的文字。标题音乐算得上是当代跨媒介叙事的滥觞之一，可能给观众带来多维度的享受，也可能只是专业素养技拙的补丁。
讲究遣词造句是浪漫主义乐派的标签，身为“浪漫主义钢琴王子”的肖邦却是其中的异类，一位少见的古典主义者。终其一生，肖邦的大部分作品是直接套用其体裁作为标题，很少进行主题创作。因为乔治·桑在创作后十五年描述当时肖邦是在教堂受一场豪雨启发，《降d大调前奏曲》又以“雨滴”之名在后世广为流传，而李斯特则认为这个名字更适合安在《f小调协奏曲》上。这则轶事让不少后世乐评家诗兴大发，比如科尔托（alfreddeniscortot）声称能从曲中嗅出死亡和阴影。可事实上，不仅肖邦竭力否认他的音乐是对自然的模仿或个人经历的投射，这本传记甚至提及一位常年居住于事发地的英国诗人声称，这个故事并不符合教堂的建筑结构。肖邦笃信绝对主义的音乐，不喜欢用标题等非音乐元素给自己的作品贴金，希望能让音乐自己去说话。
肖邦的音乐才华几乎是无师自通。如果不算上4岁时为他钢琴启蒙的母亲，他唯一的钢琴老师是他12岁以前的沃伊切赫·日维尼，唯一的作曲老师是华沙音乐学院院长约瑟夫·埃尔斯纳（józefelsner），两人都长期放任和鼓励肖邦的随兴创作。肖邦的钢琴演奏技巧不属于任何流派，不遵从任何教义。钢琴教学界一般会斥责琴童用拇指弹黑键，肖邦却写出了那首知名的《黑键练习曲》，右手五个指头只弹黑键，拇指也不例外。主流的车尔尼学派笃信“手指平均理论”，认为十个指头应该同样有力，他的练习曲“似乎要把手指拧断”。肖邦则根本不避讳中指和无名指之间天然的生理性联动，更不介意从黑键到白键的滑音。这也许是钢琴史上第一次将手的舒适度作为关注的重点，肖邦也让自己那双天才的双手被最大程度地释放出来。从如今保留下来的手模来看，肖邦的手掌并不算大，海涅却说那双手有如巨蟒，会忽然张开吞下数倍于自己的猎物。
李斯特觉得肖邦在《降a大调玛祖卡》中的乐段毫无逻辑，直到听到肖邦本人的演奏。因为肖邦本人的天赋，他的一些乐曲是不易弹奏的，但他对于自己的学生从不藏私。他曾对慕名而来求学的宾客自嘲道，“如果没有我的指导，人们就没法弹好我的曲子，这不免有些悲哀。”可他的指导确实非常贴心，毫无成名钢琴家的架子。他会亲切而宠溺地让人克服紧张情绪，对学生也不吝夸赞。当手在键盘上大跨度展开时，支撑指不一定总是中指，肖邦就经常鼓励学生使用食指支撑。来自匈牙利的11岁天才卡尔·菲尔奇（carlfiltsch）受本国贵族资助，来到巴黎向他求学，试弹刚引入主题就被肖邦打断。肖邦已经被菲尔奇的天赋所打动，花了十八个月倾力培养，也是他唯一教过作曲的学生。在这个孩子的公开亮相里，肖邦要么坐在前排，要么同台献艺。在一次演奏后，他把手按在菲尔奇的肩膀上说：“女士们，这就叫才华。”这位天才在数年后英年早逝，令肖邦黯然神伤。
相对于文字和教义，肖邦更喜欢从声音中汲取养料。肖邦生前要求他的葬礼必须有女歌唱家演唱莫扎特的《安魂曲》，为了等待巴黎主教的批复，葬礼拖延了两周才举行。早期肖邦的《夜曲》体现了他对人声的热爱，而他用高超的技巧将所有音符都分配到右手的五个手指上，可以模仿双声部的乐句。肖邦创作晚期的主攻方向则是曲式和体裁的融合，甚至会在乐曲的结尾融合宣叙调。就像歌唱家一样，他的乐曲也有呼吸点。他认为不会断句的作曲家都是冒牌音乐人，就像死记硬背的课文一样难以下咽。他创作的《船歌》就是受声乐所启发，在乐谱的在第78小节写下一个来自花腔唱法的意大利术语“轻逸（sfogato）”，肖邦告诉演奏者，要放松下来，“甜美而轻逸”（dolcesfogato）。
不过，放松只是演奏的状态，并不是创作的态度。肖邦知道在宴会场合最合适演奏的是海顿风格的协奏曲，既能展现花哨的技巧，又不需要听众全神贯注。琴技高超的他在宴会的即兴演奏时甚至能用钢琴模仿一个坏掉的音乐盒，却绝不会轻佻地把小品视为成品和作品。他对即兴演奏和作曲的区分泾渭分明，乔恩·纽瑟姆（jonnewsom）曾有一句到位的评述：“作曲家肖邦对即兴演奏家肖邦残酷无情”。在钢琴上随性表达的灵感要经过严格考量、提炼和修改，才能被写进作品中。为了抓住一个乐思，他会从各个大调追到各个小调，甚至有时打磨一页乐谱要花掉他六周的时间。他在临终时嘱咐亲友把他的未刊手稿全部烧掉：“我向来非常尊重公众，我出版的东西都要尽可能完美。我不希望冠有我名字的、让大众失望的作品被四处传播。”不幸或万幸的是，肖邦的姐姐并没有遵循他本人的遗嘱，给后来的音乐研究者留下了有待挖掘的宝藏。可在一个传播过盛的时代，也许肖邦的谨慎和雕琢才是更稀缺的品质。
波兰幻想曲
对于同时代人而言，肖邦的音乐是“王谢堂前燕”，难入寻常百姓家。肖邦在7岁时已经写出了不少波兰舞曲和变奏曲，8岁时的一首《g小调波兰舞曲》就被他的老师帮忙抄录出版，并为当地媒体所报道。1818年2月24日，不到8岁的肖邦就在华沙权贵的慈善音乐会上第一次为上流社会演奏歌曲，名噪一时。时任波兰统治者康斯坦丁大公（konstantinpavlovich）自小受到祖母叶卡捷琳娜大帝的斯巴达式教育，性情残暴，喜怒无常，后来为了迎娶他的波兰裔王妃秘密放弃了沙皇的继承权。乔安娜·沃维茨卡王妃（joannagrudz－ińska）为了驱散宫廷内的肃杀气氛，经常让家教把肖邦请到华沙的贝尔维德宫，请这位天才琴童来安抚丈夫无端的怒气。终其一生，肖邦为英法俄的君主献过艺，和七月王朝的王室维持着长期关系。无论对方身份多么显赫，都不会影响到他近乎完美的优雅风度。浪漫乐派的同行柏辽兹甚至抱怨说，“肖邦总是对人很疏远……如果你不是王侯将相，就别对听他的演奏抱太大希望。”
造成这种情况的原因并不是肖邦趋炎附势，而是他确实偏好小环境演奏。在他刚到巴黎时，演奏界的主流钢琴家还热衷于炫技，被业内人士称为“空中飞人学派”。早年的李斯特算得上其中一位，与塔尔贝格（sigismondthalberg）的斗琴也名噪一时，演出观众动辄成百上千。乔治·桑（georgessand）不无醋意地抱怨道：“只要办两个小时音乐会，弹几个和弦，就能在观众的赞美、高呼的‘安可’和巴黎最动人的姑娘的簇拥下赚到六千法郎，这个无赖。”可肖邦却很少办音乐会，对公众的关注避之不及，以至于桑嘲笑肖邦对音乐会上公开演奏有病理性的恐惧。
也许是有了这层机缘，沙皇尼古拉于1837年宣称要授予肖邦“俄罗斯帝国宫廷钢琴家”的头衔及相应的终生津贴。这个身份非常符合肖邦的表演风格，也能让身体长期抱恙的他衣食无忧。可他宁可以教学和作曲为生，断然拒绝了这个头衔。据说，他向俄罗斯驻法大使毫不客气地回答，他唯一愿意接受的荣誉是流亡者：“虽然我没有参加1830年的革命，但我支持那些革命者。”只有在涉及波兰的爱国主义话题时，人们印象中冷静淡漠的肖邦才会爆发出热血难凉的愤慨和恢弘，当着两位俄罗斯外交官的面演奏传统爱国歌曲《波兰没有灭亡》（mazurekd諭browskiego）。
如前文所说，肖邦很少根据现实题材进行命题作曲，但祖国的命运是少数的例外。1837年11月28日，华沙起义纪念日的前一天，肖邦署名完成了他的《葬礼进行曲》，这是他为祖国写下的挽歌。这首曲子在肖邦生前从未在葬礼上被演奏过，第一次演奏正是他本人的葬礼。他的命运就是这样奇妙地和祖国交织在一起。
肖邦的父亲实际上来自法国，但老肖邦本人很少提及这一点，音乐史家是多年后考察到了法国的县志，才落实了这一点。肖邦的父亲经历过拿破仑时代的溃败，对介入政治非常谨慎。肖邦在成年后则是一位旅居法国的波兰侨民，自我认同完全指向波兰，甚至连爱开“犹太贱民”玩笑这一点都如出一辙。他的童年属于后拿破仑时代和沙皇亚历山大一世执政时期。根据维也纳体系的政治安排，沙俄将欧洲各国的土地归还，赢得了对瓜分波兰和吞并芬兰的舆论支持。不过，拿破仑时代全面战争留下的阴影尚未远去，沙皇俄国看管下的“波兰议会王国”还是以怀柔为主。直到1830年11月，就在肖邦离开祖国后一个月，沙皇准备派往比利时、法国镇压革命的波兰部队哗变，当地军民士绅一起举义，最终被沙皇镇压。肖邦在日记里甚至不惜株连旁人：“愿袖手旁观的法国人遭到天谴”。
以1830年革命为中点，肖邦的前半生活在俄罗斯间接统治的小阳春，后半生活在七月王朝的文化繁荣期，相比同时代人的大部分同胞都更少动荡。
早期肖邦研究的权威阿尔弗雷德·科尔托认为《f小调协奏曲》讲述的是波兰民族诗人亚当·密茨凯维奇（adammickiewicz）的史诗《三兄弟》（thethreebrothersbudrys）中寻宝的故事，如今看来毫无根据可言，是一种文化意象之间想当然的嫁接。不过在肖邦之前，波兰的图腾正是这位写出了民族史诗《塔杜斯先生》（pantadeusz）的波兰歌德。1840年12月22日，密茨凯维奇在法兰西公学院受邀发表斯拉夫文学教授的就职演说，台下座无虚席。肖邦和其他波兰侨民一样备受鼓舞，庆幸波兰终于发出了自己的声音。可惜不久后，这位写出过“我的名字叫作千百万人”的民族诗人陷入了弥赛亚主义，令笃信“自助者天助之”的波兰人民感到疑惑。与此同时，肖邦曾因为拒绝为门德尔松逝世的纪念册署名而遭到部分乐评人的诟病。对肖邦来说，那是德国音乐家为自己的音乐人献礼，轮不到自己一个波兰人来掺合。大约从那时起，肖邦和他的乐曲后来居上，逐渐成为了波兰人的象征。
这当然是多方面原因共同造成的。一方面，肖邦本人是1830年华沙起义前后的移民之一，代表的是一代人，他也活跃在侨民圈子里。只有在民族独立难产的东欧，流亡者的形象才能超越阶级矛盾的壁垒，成为同胞共同的精神寄托。他本人虽然和文学家乔治·桑同居多年，但除了报纸从不读书，却在1833年1月15日当选为侨民们组织的波兰文学协会会员。事实上，这个组织是个除了文学什么都涉足的政治结社。另一方面，也只有在19世纪，小说、诗歌和音乐才具有穿透时空的号召力，是民族主义必要的干柴和养料。相比于造就了民族文化的文学，没有语言门槛和立场表达的器乐其实具有更广泛的流通性，也为肖邦造成了跨时代的知名度，作为一个民族国家的文化名片被保留下来。肖邦早年的未婚妻曾经信里说一直遗憾他的名字不叫“肖邦斯基”，也许正是后来广大波兰人的心声。更关键的是，受惠于波兰的民间音乐，他曲目里的确实有明显而高级的波兰气质。越是民族的，越是世界的。
回到波兰的心脏
病弱可能也是肖邦可以和近代波兰国运挂钩的一个特征。不知从何时起，艺术天才和体弱多病挂上了钩，疾病隐喻了天妒的才华。在肖邦所处的年代，肺结核还是不治之症，他的妹妹年少时就命丧于此。肖邦在16岁左右开始出现类似症状，终其一生都为此所困。“优雅地咳嗽着”成了肖邦给人的第一印象，他也耗费了大量财富求医问药，特殊食谱和水蛭吸血更是他的家常便饭。在药石罔效的情况下，奉行遇事不决，去泡温泉。家人带着肖邦前往每年夏天有几千名肺结核病人聚集的疗养地，大大增加了交叉感染的可能性，很可能夯实了肖邦的病根。肖邦前往巴黎后，法国的医生也束手无策，笼统地说温暖的气候会有助于他的恢复。可惜天不遂人愿，肖邦去西班牙的马略卡度假却碰上了连日阴雨，更因为患病被恐惧的当地人赶出了住处，让他险些丧命，“岛上三位著名医生为我检查了身体……第一位说我已奄奄一息，第二说我已无药可救，第三位说我已经死了。但是，我的感觉和平常差不多……”
不过肖邦还没到如谣传一般，虚弱到不足以在公开演奏的地步，那只是他的审美和习惯。肖邦的艺术人格形成于名流显贵们鎏金的宅邸，他的听众都是社会贤达，能够欣赏出他演奏中的细腻韵味，或至少装成那样。肖邦的表达含蓄而内敛，不喜欢坐在较高的琴凳上猛击琴键。他对同时代那些热衷于炫技的钢琴家弹奏琴键高强力度嗤之以鼻，经常说他们使用蛮力发出的粗暴声音像是愚蠢的犬吠。有研究者声称，翻遍他的作品也没找到一个震音。他演奏的声音轻柔沉静，为了给他营造私密的演奏环境，肖邦音乐会的组织者让他的亲友们坐在舞台前排，围绕在钢琴四周簇拥着肖邦，也难怪更受大众欢迎的李斯特指摘肖邦的拥趸是一个教会组织。
不过，肖邦并非不能和名流们保持合适的距离。李斯特笔下的小册子迎合了文艺爱好者们的附庸风雅，但肖邦也很清楚沙龙常客们的秉性。据肖邦的朋友回忆，一次肖邦即兴演奏了一首战歌，在场的夫人们立即簇拥上来，执意要求肖邦把这首乐曲改编成合唱曲以供她们演唱。肖邦一口应承下来，然后转头用波兰语和同胞们说：“她们明天就会忘了这回事。”
确实，社会名流既有来听歌的，也有来看人的。肖邦的才华和气质为他招来了大量仰慕者，文学家乔治·桑就是其中一位。福楼拜称乔治·桑为“高产的奶牛”，其实是贬损她的文学造诣。诚然，她在写作上的过分高产不利于她留下更多传世之作，其文学史地位并不牢固，但在那个年代，她是欧洲文艺生活中不折不扣的先锋派。由于原生家庭的不幸和婚姻生活的失败，阿芒蒂娜-露西尔-奥萝尔·迪潘女士（amantine-lucile-auroredupin）断然离婚，独自抚养儿女，并选择乔治·桑作为笔名，以文字养活自己。她在生活上和政治上同样先锐，也是一位特立独行、敢爱敢恨、四处留情的大女子。在仍有一位稳定情人的情况下，她毫不羞怯地向肖邦递去一张纸条，写着“我爱慕你”。不过，乔治·桑男性化的装扮和张扬的举止一度给肖邦留下了恶劣印象，让后者一如既往地冷淡。乔治·桑随后爆发出惊人的情感，主动出击，还用渣男一般的说辞主动和原先的情人断绝了关系——从低级的情人上升为纯洁的友谊和陪伴。
1838年7月，肖邦和乔治·桑成为恋人。两人的爱情颇具当代气质，是很多都市人最梦寐以求的自由关系。这段关系始于桑的主动求爱，终于桑的家庭纠纷，完全由女性主导。在朋友眼中，肖邦是一位如假包换的小公子，比大部分女性都注意穿着打扮，在演出前一定要找裁缝、发型师和贴身男仆。加上肖邦身体羸弱，桑很快就从恋人变成义务照顾病人的保姆。她是一位典型的夜猫子，总是通宵达旦地写作，身体羸弱的肖邦却不可能迁就这样的作息。在巴黎期间，两人不住在一个屋檐下，只有一墙之隔，保持了现代人梦寐以求的距离感。就是在两人共同生活的1839年至1846年间，桑出版了12篇长篇小说、6篇短篇小说，还有一部戏剧。肖邦更是写出了包括《六首夜曲》、《摇篮曲》在内的不朽名作，在巴黎巩固了他的乐坛地位。相互扶持的两个人达到了彼此的创作高峰，他们的作品就是最有力的证明。
肖邦被葬在法国，但心脏被他的姐姐卢德维卡带回祖国，葬在圣十字教堂的地下墓穴。经一名记者曝光，肖邦的心脏迅速激起了公众的爱国热情。1880年2月29日，他的心脏被移入主教堂，并举行了正式的祝圣仪式。1944年9月华沙起义遭受军事报复，一名典型的纳粹高级军官——热爱音乐的犹太屠夫——保护着肖邦的心脏免遭涂炭，心脏由德国士兵护送到华沙市郊的圣黑德维希教堂。1945年10月17日肖邦逝世96周年，新政府为了凝聚爱国之心，以国家元首的礼仪把肖邦的心脏途径他的家乡迎回了圣十字教堂，90多公里长的路线上道路两旁站满了人，家家户户都插上了国旗。2014年4月14日临近午夜时，两位法医专家在大主教和波兰文化部长的见证下，取出了这枚心脏，秘密核查肖邦的死因，事后引发物议。多年来，有人不希望打扰这件圣物，也有人向政府申请基因检测。波兰的肖邦和肖邦的波兰一样，都梦想一颗跳动的心脏。
学钢琴的体会与心得篇4
小草在阳光的沐浴下发芽长叶;花朵在阳光的沐浴下绽放笑脸;我也在阳光的沐浴下茁壮成长。
在我的书桌上排放着一个相框，上面是一张照片，照片中的我穿着一件黑色的小西装，脖子上系着一条蓝色的小领结坐着弹钢琴。黑白的琴键多么醒目，我的'神情是多么投入。我喜欢弹钢琴，从第一眼看见就喜欢上了。
那时我才五岁。一天跟妈妈路过一家钢琴店，店里有人在表演弹钢琴，悠扬的琴声深深地吸引着我，我痴迷地站在店门口倾听，仍凭妈妈怎么拉拽 ，我都无法挪动脚步。就这样妈妈给我报了钢琴班，我的学琴生涯开始了。
刚开始上课时，学的是简单音符。我在兴趣的推动下学的很快，钢琴在我的小手下很快能弹出简单悠扬的节奏。学习不单是快乐的也有艰辛。上了几节课之后，课程逐渐加重。五线谱上的那些小蝌蚪密密麻麻的，像调皮的蛙蛙似得上蹿下跳，我常常把它们几个兄弟姐妹弄混了。它们不仅让我花费了许多精力和时间，也让我变得心烦意乱。不但如此，那些复杂，变化多端的节奏更是让我手忙脚乱，特别是双手合奏，左手右手不一致;大脑和小脑配合不当的时候，我更加地顾此失彼，蕉头烂额 ，再加上那长时间枯燥无味地坐在钢琴前，弹着那些重复又重复的练习曲，当初学琴的那种动力渐渐地消失了。
那段时间不管妈妈怎么威胁，哄骗，甚至最后拿着棍子坐在我旁边，我都没办法重新找回当初的信心。渐渐地，我的课程落下了很多，那时我沮丧极了。直到有一天，我发现了当初跟我一起学琴的小朋友都弹得非常好，那黑白相间的棋子在他们的手中弹出，流入了我的心田。这时我不禁想到：“为什么他们能做到的事，而我不能做到?我并不比他们笨啊?”就这样我重拾信心，不断学习，不断攻克一个个困难，不断进步着。
现在的我不仅能弹奏一首首动听的乐曲，而且在弹琴的过程中我享受着音乐的优雅，陶冶着自己的情操。
学琴，不仅丰富我的生活，也锻炼我的意志。世上无难事，坚持就会成功。
学钢琴的体会与心得篇5
?海上钢琴师》是朱佩赛·多纳托雷导演《个人回忆三部曲》中的得意之作。影片所讲述的是一个天才钢琴家1900孤寂的一生。生于船，长于船，死于船。直到1900死去的那一刻，这个世界也没有为他留下任何的痕迹，没有国籍，没有出生登记，或许令人欣慰的只是那张粘合好的音乐碟。1900从未踏足陆地，相比于那些执着于未知之地，利益之地的维珍尼亚号上的乘客，真正所反映出的是1900所代表的纯洁心灵与这个社会的格格不入。
如果说《海上钢琴师》是朱佩赛·多纳托雷导演对与这个时代，这个社会的认知。那么在影片中，美国便是这种充满利益与诱惑的混沌社会的具体反映。似乎所有的乘客从欧洲远到而来，直至为映入他们眼中的自由女神而惊呼，摘下礼帽，大肆的摇臂，只为迎接那充满可能性的美好未来。影片中的美国承载了大多人的梦想，诸如片中出现的小偷，1900说他总是会第一个发现美国，越是落魄的人越是充满期待。而1900背道而驰。
而整部影片对于1900的刻画则大多深入内心，导演将观众带入了一个自我封闭的纯洁世界。似乎是对这种心灵的美好希冀，但最后1900的与船共沉，又使人觉得这似乎更像是导演对于这个时代之中纯洁与美好的消逝，所表现出的深深的无奈。正如1900的名字，他所处的时代是这个没落时期的开始。他将自己拘束在这艘船上，其实是对广阔世界的恐惧。正如他自己所说“使我害怕的，不是我所看到的，而是我所看不到的!”这样的几句台词，发人怜悯。
这是一部荡气回肠的诗意旅程电影，整部影片充满了极端的浪漫主义色彩。故事的一开始，max的回忆，便将整部影片的发展套路凌驾于现实之上。现实中绝不会有1900这样的人物，但1900又是人们心中良知共性的结合，是人们内心深处纯洁的写照。但这种产物却又与现实社会相抵触，这样两种极端的反差，构造了整部影片艺术基底。
影片的音乐绝对是一大特色，由埃尼奥·莫里康内大师所谱写的乐曲，再一次打动了观众。与影片基调的完美结合，使得整部影片在艺术表现力上得到了质的飞跃。与其他的电影音乐不同的是，片中的音乐不仅是艺术表现的辅助，更是故事情节的直接参与者。几次的演奏，从与max共度的顺风钢琴，到抛开乐队的个人演奏，再到与爵士乐鼻祖jelly roll morton的飙琴大战，对于女孩的痴情弹奏，以至于最后炸船时内心模拟的悦耳声音。每一次弹琴都融入到剧情发展之中，成为一条主线，同时也成为了影片中最为精彩的部分。
在镜头的使用上，影片出现了大量的对比蒙太奇镜头。比如在到达纽约码头时，乘客们的熙熙攘攘与大厅中1900孤寂身影的对比。一个热闹，一个安静，这样的反差发人深思。在飙琴的一段中，1900的疯狂的弹奏，观众沉迷其中，假发掉了也不知道，还有烟头掉在自己裤子上烧起来了也不知道，以至于最后的惊呼，形成了一静一动的效果。另外，影片通过镜头的快速变焦来表现主体的变化，省去了繁琐的独白，让观众通过直接的视觉效果更真切的体会当时的场景 ，也是影片的特色所在。
在光线与色彩的使用上，导演在自然光的基础上加上了一些人工光线来渲染艺术效果，这同时也增添了影片的浪漫主义色彩，与整体风格和谐统一。片中大抵表现的是1900内心的忧郁，以至于影片从头到尾都是一股冷色调，显得凝重而哀伤。
但就影片的细节上来说，个人认为在某些方面的处理上还存在缺陷。片中与爵士乐鼻祖jelly roll morton飙琴的一段无疑是精彩的。1900胜利了，但他的胜利来自与他高超的技巧与手法。我认为，假使1900能通过键盘上弹奏的音符来引起众人内心的反思，来唤醒人们心中沉埋的单纯，便会使得这段戏在精彩的同时还能更贴近于影片主题。
这是我对于1900的理解，一个没有根而终身漂流在海上的男人，独特的价值观与人生观使得他处在一个独立的世界里。他与这个社会只有一段很短的距离——一块甲板;他与这个社会有一段很长的距离——一个世界!
他用音乐解读一生，音乐是他对人生的感悟。
学钢琴的体会与心得篇6
琴路漫漫，非常有幸的与钢琴结下情愿，并成为了童版很多小朋友的钢琴老师，今天静下心来想谈谈我这么多年来关于幼儿钢琴中从初级到高级普遍出现的一些话题，结合自己多年的钢琴教学实践，写写自己的心得体会，希望能与家长、老师们交流、商榷
一、融洽的师生关系
是顺利进行钢琴教学的前提和保证（这一点我觉得非常重要） " 我有一个学生曾经告诉她妈妈，罗老师是她最崇拜的偶像，她要努力把钢琴弹好，还有一个小男孩写了一篇作文是我最喜欢的钢琴罗老师"其实举以上两个列子并不是趁机想自催宣传一把自己有多牛，而是激发了我很多的感想，我觉得钢琴老师首先应努力成为孩子的"朋友"可以无话不说的知心朋友，然后才是"老师"传道、授业、解惑的老师。因为幼儿的认知水平和理解能力都相当稚嫩，教师要主动的和孩子进行交流对话，所谓“亲其师，方能信其道”，先让孩子对教师的个性、风格等现有一定的了解，不急于直入教学主题，当师生之间产生了一定默契之后再过度道实质性的钢琴教学，通过教师亲切友好的谈话、讲解和富有表现力的钢琴弹奏等教学活动，在不知不觉中，使孩子对老师产生由衷的爱戴和敬佩之情，由此孩子便会心甘情愿的听从老师的教诲和学习钢琴弹奏知识
二、巧妙童趣的介绍钢琴这个庞大的玩具
钢琴对于3至5岁的小朋友来说俨然就是一个庞然大物，幼儿在看见钢琴的时候大脑里肯定有很多疑问、这个大家伙是干什么用的？它为什么会发出这么多大象老虎和小鸟的声音？我是否也能弹好听的乐曲呢？等等，针对幼儿的好奇心，通常我会当着孩子们的面把钢琴的顶盖轻轻掀开，让孩子们亲眼目睹“钢琴的内脏”，然后用他们的小手弹响钢琴，也可由老师即兴弹奏孩子熟悉的小儿歌，这时你会发现孩子们无比的兴奋和激动，原来钢琴是这样的，一些小疑问就自动解决了，孩子的兴趣也慢慢激发起来了，在幼儿对钢琴具有一定感性认识以后，教师就可以抓住机会进行正常的钢琴教学了。
三、斟酌教学语言，化解学习困惑
开始进入钢琴教学阶段了，你会发现由于幼儿的生理、心理尚处于初级阶段，对事物的分析、判断能力还很低，对于一些音乐知识，如读谱、节奏、节拍、手型等等各方面都会另一些幼儿费解，这时教师可以大胆引用幼儿日常生活中常见的事物及动作游戏来比拟。例如、高低音谱号，我会让孩子们自己去想象它像你在哪儿见过的东西？这时他们会说，高音谱号像棒棒糖和小蜗牛，低音谱号像耳朵。很多小孩在学到《玛丽有只小羔羊》的时候会特别的兴奋与激动，似乎在这首曲目里面找到了与他们共鸣的地方，这时教师可以根据这个标题给孩子讲解一个生动好玩的故事，彻底的燃烧起孩子想学的欲望，我记得我的这群孩子中的绝大多数就从这首小曲子爱上钢琴了。。。等等这些形象的比喻让孩子心领神会，轻松学习钢琴
四、规范教学行为，提升教学理念
1、边弹边唱，提高视奏和读谱能力
“ 匈牙利著名教育家柯达伊强调、不先歌唱就开始学乐器的儿童，一生中注定没有音乐。前苏联钢琴教育家涅高兹也说过、学习任何一种乐器之前，学生无论是幼童、少年、或成人，应当已经在内心掌握了一些音乐，也就是说，他们已经把一些音乐记在脑中，藏在心里，并且可以用自己的听觉听见它。”那我们教师每次指导孩子学习一首新曲时，先让学生认识五线谱，感受音乐的节拍特点、旋律走向及音乐情绪之后就开始尽可能的先让孩子大声反复地唱一段旋律，包括里面的休止符。这样做的结果不仅有利于培养幼儿的读谱、视奏能力，还可以让孩子较快地理解音乐，培养他们的音乐综合感觉。
2、耐心的示范，教师应当成为幼儿最直接和最好的榜样
示范法是钢琴教学的基本方法之一。因此老师应该认真耐心地进行弹奏示范，突出重点，并明确讲解弹奏要领及练习方法等。当教师进行示范演奏时，幼儿受老师潜移默化的影响，并通过不断模仿老师的弹奏动作、触键方法、音乐呼吸及表情处理等，获得钢琴表演的最直观和感性的经验。通过教师的示范引导，使学生将自己的钢琴表演和实际的音响感受结合起来，有助于发展学生的音乐想象力
五、老师、家长、孩子三维一体 在进入钢琴教学以后我想强调一下老师与家长的配合至观重要
l老师与家长、a通常我会在上完第一节课后留时间与琴童父母交流，这段时间可以说和上课同样重要，首先要告知家长每天给孩子养成非常好的练琴习惯，譬如、规定好每天几点开始练琴，对于年纪尚小的孩子最好分阶段练习，时间不宜过长，通常一阶段半小时即可，但在这短暂的时间内一定要高效率的练琴，把喝水、上厕所、吃东西等等这些小动作在弹琴之前先通通做好，然后认真练琴。（b）、接下来要把本次上课的重点以及本周的训练要素告知家长，在家里，琴童父母就是孩子最好的陪练老师。（c）、学琴路上，家长与孩子的互动非常重要，要知道孩子学琴路上总免不了风吹雨打，坎坎坷坷，这时如果我们琴爸琴妈们能多一些时间陪孩子在弹琴以后做一些小活动以增加他们学琴的兴趣。如、家庭音乐会、四手连弹、编唱小儿歌等等
六、重视手指练习的教学
1、规范音阶琶音的指法
音阶和琶音是钢琴基础教学中的基本内容，从一开始就要建立合理的指法习惯是手指练习的基本要求。我一般不要求学生看谱练，而是从讲解乐理知识入手，配合上听觉，让学生自己找，虽然开始可能慢些，但记忆深刻，不会弹一个忘一个，最后老师可以和孩子一起找出他们其中的一些指法规律
2、“预备”的重要性
在触键发音前手先到位“预备”好，是准确演奏的前提条件。具体的说，远距离的大跳要抽出来单独练习，准确先导，速度其后，从慢练开始，在手指触键发音前，手臂和手指先行到位。有的'学生会在某个段落总是弹错音或碰错键，我会把发音前手指先预备到位的要求提出来，让他在错音前停下来，先把手指放到正确的位置。可以先用较慢的练习，手指找到正确的位置再弹下去，几个来回后，在发音正确的基础上加速练习，使学生建立正确的键盘感觉和肌肉习惯。
3、两手独立性的练习
培养两手的独立性是钢琴教学的一个重要课题。即使在一些很短小的乐曲中，也常常会有左手伴奏右手弹奏主旋律的段落，或是左手跳右手连、右手跳左手连的部分，学生常常会跟着一只手走，即、要么两手一样的轻响，要么两手都用一样的奏法、这时首先要告诉孩子两手分别做的不同的动作，分手慢速练习，然后才逐渐把两手放在一起弹奏，加强两手的机体协调性。最难的是要求学生左手轻一些或右手主旋律响一些，我的方法是弹旋律的手在钢琴上正常弹奏，而弹伴奏的手则只动手指不出声音的“无声法”来进行练习，使两手在用力和触键上拉开距离，便于体会两手的独立性，然后再逐渐缩小两手在音量上的差距，直到耳朵听到的音色令自己满意为止。
七、养成聆听的习惯，培养综合性的音乐感觉
耳朵是钢琴演奏者的监视器，也是学生独立练琴时最好的老师、拥有一双灵敏的，善于倾听的耳朵，能够倾听自己弹奏声音的对错、音的质量、音色以及节奏的对错等等，是每一个习琴着宝贵的财富。作为教师的我们不仅要教会孩子们正确的弹奏方法，更要帮助他们建立良好的声音概念，让孩子们知道自己在弹奏中的不足与差距，培养他们自我修行的技巧和能力，他们才会在练琴时进行弹奏动作的自我调整，向正确的方向靠拢。
1、培养学生多声部的听觉
在钢琴作品中除了旋律外，还有丰富的和声、复调、织体。钢琴中这种综合性、多声部层次的特点决定了学生必须具备"立体化"的多声部听觉、所以在钢琴教学的初级阶段，要指导学生学会听长音，听声部等，比如右手要保持四拍，而左手还在弹，可以要求孩子试试看是否还能听见上面的那个音，这时学生的听觉器官会进入一种准备状态，凝神细听，如果我们不提醒他们，他可能就听不见那个长音的保持。所以教师的任务就是不断地向学生发出信号，让他们注意聆听，并告诉他们听什么、怎么听，使他们的耳朵能够在整个弹奏过程中保持积极的状态，起到监督和指导弹奏的作用
2、培养学生的和声听觉
学生在弹奏中同时也要注意聆听和声的变化。因为音乐中和声的序进、色彩、紧张和松弛、游移与肯定，都对音乐的表情起至关重要的作用。比如在一段明亮的和声段落后，紧接着一个柔和色彩的和弦或者出现变化音和转调时，问问学生“这个音写成这样你觉得好不好听呀？”也可以在他弹奏新的和弦和段落前以感叹“真好听啊”来提醒学生注意和声的变化，学生就会逐渐有意识地体会到音乐色彩的变化，感受到音乐表情的细腻转换。
八、了解乐谱的意义有助于提高音乐表现力
1、乐谱所蕴藏的音乐密码
乐谱是体现作曲加乐思的载体。演奏者一个理解并遵循乐谱上的音符、休止、强弱、快慢等音乐标记，并通过这些标记去领会和表现音乐，我八这些音乐标记称为"音乐密码"、我们教师的责任就是帮助学生在学琴的初级阶段就培养他们科学、立体、全面的了解乐谱的意义，引导他们发现"音乐密码"，提高他们的学习能力和学习效率。
2、表现音乐从乐句做起
音乐的旋律总是在流动着的，乐句经过起句推动走向高点（高潮）收束结尾，这是音乐忽而语汇的基本方式。把这些乐句的结构表达清楚，像平时说话一样有语调、语气和呼吸，就能赋予音乐自然的生动性，使之"像说话一样"，我一般要求学生在新功课基本上可以完整弹奏时，就开始要求弹奏的乐句感，我让孩子们把音符串起来用说话的语气弹出像唱歌一样。比如有“落提”连线的两个音，我教孩子弹成“你好”“苹果”的语气语调。
